2026年，藝壇將有機會再度凝視已故日本作曲家坂本龍一的跨界創作實踐作品。近日，北美館宣布10月將有《坂本龍一｜觀音．聽時》展演，這是一場橫跨聲音、影像、光與科技的靈感重塑，也是對一位藝術智者的深刻回顧與未竟思想的延續。該展是來自東京現代美術館，將呈現坂本龍一老師自2000年代起在大型聲響裝置上的探索軌跡，並循展至2026年M+等國際場域巡展，讓世界各地的坂本迷，都能一睹他生前的創作與細膩的想法。

坂本龍一的藝術生命跨越音樂與視覺，他的作品有如一體化感知的共振場，讓空間中的聲音能被「看到」，讓時間在多維度感官經驗中延展。這不僅是音樂或視覺藝術的簡單重疊，而是對於聆聽一詞的新定義。

聲音無所不在，坂本龍一老師將聲音具象化，讓觀覽者自行摸索聲音所在之處。（圖／翻攝IG@Takeshi Asano）

展覽匯集了坂本生前與多位國際藝術家長期合作的成果，包括高谷史郎（Shiro Takatani）、真鍋大度（Daito Manabe）、卡斯滕・尼古拉（Carsten Nicolai）、阿比查邦・韋拉斯塔古（Apichatpong Weerasethakul）以及Zakkubalan等。這些跨學科合作者並非僅作陪襯，而是在聲音與空間的重塑中，共同拓展了感知與敘事的可能性。

例如坂本龍一與高谷史郎合作的作品 async–immersion tokyo便是一種「裝置音樂」的典範之一。坂本的音樂從錄音室出發，透過十四聲道的精密音場分布，配合高谷運用 LED 影像的視覺系統，在空間中產生一種非同步，但彼此交織的感知節律，聲音和影像並非同步，而是透過時間之外的縱深交錯，使參觀者身處其中便能感受到時間的延長與分裂。

坂本龍一與阿比查邦・韋拉斯塔古合作之作品《async–初光》與《沈睡者》。（圖／翻攝IG@Takeshi Asano）

展覽中既有高度概念化的聲響裝置，也有來自不同創作階段的重要作品，像是〈LIFE–fluid, invisible, inaudible…〉一作，便是將坂本對生命、自然與人類存有感悟融入視、聽與感覺之間的環境作品。在幽暗空間內，水箱與霧氣共同生成的視覺表層與隱約聽見的聲音旋律，形成一種超越語言的哲學式沉思場域。

除了裝置作品本身，展覽亦精選坂本的工作紀錄、草稿、錄像資料與其他跨領域成果，將其半世紀的創作軌跡作為一部流動的文化史，這一部份呈現的不只是個人作品，而是坂本如何在不同的文化脈絡中開創電子流行到為電影寫下世界經典配樂，再到反核與環保音樂行動，在眾多音樂之間，他不停地轉換讓創造力也能具象化呈現。

《觀音．聽時》不僅是作品的集合，也是一種對於「聆聽」的再教育。坂本曾提出他對於「永恆聲響」的迷思，那種不隨時間消散的聲音概念，成為本次展覽核心觀念的一部分。展場並非簡單讓人站著看展，而是要求觀眾需調整自身感官節奏，在聲音與空間的交互中體驗時間的流動或凝止。對於習慣於音樂會或影像作品被動接收的觀者而言，這種「立體聽覺場」是極具挑戰的。它往往不提供明確中心，也不強迫方向，而是在多個感知層面同時運作，模糊了觀眾、創作者與作品三者之間的界線，這正是坂本晚期創作的核心：讓聲音既是物質，又是時間，是場所，也是存在。